室内乐欣赏十八讲——国家大剧院音乐讲堂

 

【基本信息】：

系列：国家大剧院音乐讲堂

作者：高屹　著

出版社：北京师范大学出版社

ISBN：9787303090112

出版时间：2011-10-1

版次：1

页数：300

字数：238000

开本：16开

用纸：胶版纸

包装：平装

【推荐】：

　　《国家大剧院音乐讲堂系列:室内乐欣赏十八讲》能够成为初涉音乐的朋友手中的导航图和欣赏手册。本书适合音乐爱好者阅读。

【内容简介】：

　　《国家大剧院音乐讲堂系列:室内乐欣赏十八讲》由高屹著，室内乐不愧为最精致和细腻的音调艺术，它清晰的织体、严谨工整丝丝入扣的笔法能够在短时间内迅速磨练你的耳力，使你的乐感变得更为敏锐和完善。当你逐渐习惯室内乐的音响后，再去听交响乐，会惊叹自己能够听到更多隐藏在内部的音符，一切感受都变得细致起来。更重要的是，你距离作曲家的心灵又接近了一步，你会如此贴近音乐的灵魂。希望《国家大剧院音乐讲堂系列:室内乐欣赏十八讲》能为你解开心中的疑惑，为你的欣赏提供背景知识和建设性的指引，并以文字印证你心中涌动的音乐感觉。

【作者简介】：

　　高屹，山东青州人，毕业于西安音乐学院，著名乐评人、中国艺术家协会青少年教育委员会艺术顾问，长期在国家大剧院举办音乐系列讲座。

【目录】：

引言什么是室内乐？ 

——精致的音调艺术，细腻的音响极致 

第一讲早期室内乐 

——寂静的开端，黎明的苏醒 

第二讲巴洛克（上） 

——臻于纯熟，文艺复兴荣耀的延续 

第三讲巴洛克（下） 

——大师的身影，辉煌的巅峰 

第四讲海顿 

——“古典”之父，伟大的开创者 

第五讲莫扎特（上） 

——完美的典范，精致的优雅 

第六讲莫扎特（下） 

——精益求精，尽善尽美 

第七讲贝多芬（上） 

——飞向宇宙的人类之声 

第八讲贝多芬（下） 

——情真意挚，天赋高远 

第九讲舒伯特 

——在贝多芬墓旁 

第十讲舒曼门德尔松 

——梦幻与色彩，浪漫主义的精髓 

第十一讲勃拉姆斯（上） 

——单向古典时代的浪漫丰义大师 

第十二讲勃拉姆斯（下） 

——人间喜剧，大道无形 

第十三讲弗朗克、圣—桑、弗雷、德彪西与拉威尔 

——法国风格：高卢的色调 

第十四讲紫科夫斯基 

——色彩与抒情，浪漫主义的再续 

第十五讲斯美塔纳德沃夏克 

——从伏尔塔瓦河到“新大陆” 

第十六讲拉赫马尼诺夫普罗科菲耶夫 

——动荡的时代，多元的气质 

第十七讲肖斯塔科维奇 

——死亡与创造，二十世纪的结构大师 

第十八讲布里顿 

——海景：孤独的世纪 

尾声与回晌 

作曲家及主要室内乐作品索引

【后记】：

我要感谢与这本书日夜相伴的忠实的读者——乐迷！

在我还是个孩子的时候，我惊叹于音乐的美妙，感畏于它迷宫一般的结构，并为那些看起来高深莫测的音乐术语所困扰——有时候，我常常怀疑自己是否有资格走近那座音乐的圣殿，去偷听哪怕是一小段优美的曲子。我为自己的无知而感到忧郁，我担心自己永远被隔绝在音乐的奥妙之外。

每每在愉悦和感动之后，发现自己对于刚才听的那段音乐一无所知——这种惶恐和无助的感觉恐怕是每一个热爱音乐的朋友的心痛。在此时此刻，多么需要一位向导。我今天还能想起来在无数夏天和冬天的深夜，我塞着耳塞，激动得浑身颤抖的时候，偷偷爬起来打开台灯，反复翻着我手头仅有的两本音乐欣赏手册时的满足感和安全感。而在我获得正式的、专业的音乐教育之后，我才更体会到那几本浅显易懂的书背后所蕴涵的对于音乐的真知灼见。

我希望这本介绍室内乐的小册子同样能够成为初涉音乐的朋友手中的导航图和欣赏手册。当你迷失在数不清的体裁与形式中时；当你面对那些没有标题，所有文学性内容都被作曲家刻意抹去的作品时(在室内乐中这种情况极为常见)；当你被一首曲子数度感动，却不太肯定其中表达的内容的时候……希望这本书能为你解开心中的疑惑，为你的欣赏提供背景知识和建设性的指引，并以文字印证你心中涌动的音乐感觉。

尽管完全以文学性的语汇来描述一部作品的想法的确非常诱人，且有许多这方面成功的先例存在。但大部分时刻我仍然克制住了这一诱惑。本书所涉猎的大部分作品，我希望读者在借助本书加以了解的时候，是建立在更多更确切的史料和结构分析(当然，我已经尽量以更为通俗的语汇去描述了)的基础之上的，正如斯特拉文斯基所言：对艺术限制的越多，研究的越多，它就越自由。我希望读者将要就此展开的每一点音乐想象都是建立在相对较为可靠的作曲家的原始意图和立意的基础之上的。而且在需要的时候，可以得到更多关于作品的确定无疑的结构信息和背景知识——在这种情况下，希望这本书能满足读者将其作为音乐参考手册的要求。

不过，在其中的两个章节，为了带给作品更为丰富的想象而加入了虚拟的场景：那是在勃拉姆斯拜访舒曼的部分，以及托尔斯泰聆听柴科夫斯基的弦乐四重奏的部分。需要说明的是，具体当时的实况和对话大概并非如此，且很难考证(所幸这不是我们的最终目的)，但大致的历史框架仍然是精确的，只是在场景的细节上给予一定程度的想象和补充。这只是一种尝试，而且其实在本书的各个章节都不乏充满想象的解读和描述——仍然需要说明的是，任何类似的想象都只是众多可能性中的一种，而不是唯一的解读，读者完全可以抛开这段文字，以自己的感触去体会，以自己喜爱的方式去勾勒心中的音乐感觉。

当你“攻克”了一章又一章的内容的时候，当你在本书的指引下收获了一部又一部音乐作品的时候，你一定有一种莫大的成就感和充实感。我也同样感谢每一位肯花费时间和耐心与我一起历遍那些传世之作的读者，我相信当你翻过这本书末页之后，在你眼前呈现的将是一幅前所未有的深刻、细腻而无比清晰的音乐画卷。当你再次听到这些作品的时候，会获得更加丰富的体验和更为深刻的感触：感悟到音乐中深厚的精神底蕴、冥想的哲思及参透宇宙万物的启示。特别是在你反复细心聆听过这些经典的室内乐作品之后，你的“耳力”和内心听觉都在不知不觉中被琢磨得更为敏锐和完善，所有的音乐(而不只是室内乐)在你的面前忽然变得无比清晰和透彻，你能从中获得更多的信息和更大的乐趣，甚至可能洞察作曲家埋藏在音乐中的那些奥秘……

为每一位认真的聆听者喝彩。

【书摘】：

中世纪常被描述为“黑暗的”，教会势力独霸天下，在世俗领域与王权叫板，在地方实施专制的文化政策。但事实上，相当长一段时期内，教会是唯一的文化教育和传承机构。书籍(当然，只是宗教方面的）由教士们誊抄和保存——他们差不多是方圆几十公里唯一会写字的人，那时就连贵族也大部分都是文盲。无论修道院还是城堡都黑暗潮湿，比起遥远东方辉煌的唐朝，这里简直是地狱，大臣和上等贵族穿的也是粗布或平纺布，丝绸和瓷器简直是天价的奢侈品。教会控制着（或者说拥有）所有能说会写的人，当上层决定用音乐加速宗教的传播时，整饬教会音乐的要求变得越来越重要。据说这一运动是从教皇格里高利一世（Pope GregoryⅠ）开始的，相传他开始制定统一规范的教会礼仪，在各地广泛建立学校教授音乐（也有其他内容），搜集和整理圣咏。但大部分有稽可查的圣咏抄本都是在公元9世纪才陆续成型的，它们与教皇格里高利似乎没有什么关系，然而根据习惯仍然称之为“格里高利圣咏”。它们是基督教音乐的最早形态，是整个西方艺术音乐体系的根基和土壤。 

从开始到后来筛选和固定下来的圣咏一共有3000多首。它们的来源很复杂，保留了很多地方教会自有的曲调，在经历仔细的挑选和曲调的规整之后，所有的圣咏都获得了规范和形式的统一。这些格里高利圣咏没有明确的节奏，曲调根据唱词自由延展；它们全部是由男子演唱的；在编定好的格里高利圣咏中，有许多曲调都来自于东方，但是这些旋律因为长期传唱和应用，有着广泛的影响，全部将其剔除出去显然不妥。为了防止在演唱这些曲调的圣咏时联想到东方异教的音乐(通常都有富于特色的乐器伴奏，甚至舞蹈)，教会索性规定圣咏中严格禁止器乐伴奏。因此最早的格里高利圣咏系纯人声的形式。教会的这一规定导致专业领域的器乐音乐很晚才开始发展。 

但世俗世界的音乐不像书籍那样容易控制，且民间音乐自古以来便源远流长，教会默许了非圣咏的音乐在俗界继续存在。除了乡村和山区原有的民歌曲，不断兴起的城市出现了一些新的音乐形式，法国的游吟诗人（Troubadour）和德国的恋诗歌手（Minnesinger）成为代表性的音乐势力，他们以各自本地的语言演唱，这些音乐被称作“方言歌曲”，器乐伴奏可有可无，且通常手头有什么就用什么。作为一种娱乐形式，而非祷告和唱诵，这些音乐为贵族和骑士阶层所喜爱。在他们的圈子里，这些音乐也被整理、修饰和创作着。到了13、14世纪，以此为代表的“骑士音乐”发展起来。骑士文化是十字军东征和教会扩张的副产物，其后他们和贵族打成一片，融入到贵族阶层。在各个宫殿、城馒和府邸，骑士音乐大行其道。相比较于同时期的教会圣咏，骑士音乐有着固定的节拍、舞蹈性的律动（三拍子）、有器乐伴奏，歌词朗朗上N——最重要的，它是以本国语言演唱的，而不是像圣咏那样采用拉丁文！它们迅速成为几近文盲的贵族客厅里的音乐形式。

……

【插图】：